2026第一份“新去处”清单，请查收

本文来自微信公众号： 未来预想图 ，作者：爱散步的编辑部，原文标题：《2026 第一份“新去处”清单，请查收 | 有街可逛》

做个轻松的plan迎接新年吧。

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2025年的最后一天，估计没有人情愿留在办公室。越是这种时刻，越适合去街上走走。“有街可逛”在12月31日为你准备了轻量路线：如果你在北京、上海或东京，可以立刻出门，用一场展览迎接2026年；如果你正为新年计划踌躇，也不妨把目光投向更远处——阿联酋的扎耶德国家博物馆、东京的世田谷美术馆，以及曼谷新开的DIB Bangkok，都有值得拜访的理由。让它进入你的假期清单吧。

——01——

“走”完一部电影

#影像#河北#时代记忆

15块银幕影像，分布在9个彼此嵌套的展厅空间，讲述一位北方母亲的一生：青春、婚育、劳作、衰老与离逝——这是杨福东拍摄的新作短片《香河》，与他在UCCA的个人展览同名。

这次个展规模庞大，展出了杨福东全新创作的6部影像作品，还有一系列早期绘画、影像作品和相关文献档案。如果你想要全部看完，就要准备好在馆内耗上一整个下午。

杨福东1971年生于北京，童年在军队大院度过。1995年，他从中国美术学院油画系毕业。但随后几年在诗人、艺术赞助人刘丽安的资助下转向了影像创作，拍下了自己的第一部影像作品《陌生天堂》（1997-2002）。此后他的第二部影像作品《竹林七贤》（1997-2002）时长5小时，在2007年威尼斯双年展作为电影首映，由此奠定了杨福东的叙事基调，成为了他的代表作：慢的长镜头、碎片化的情节、诗意的影像质感。

拍摄家乡这个念头，杨福东在1997年就有了，但直到2016年，他才回到河北香河县，发现这座小城正在城镇化浪潮中快速变化。他用了47天，在香河县城及周边村庄奔走拍摄，邀请演员谭卓等人演绎自己记忆中的乡村生活，之后又用数年时间打磨影片后期。

最终，杨福东放弃了最早的拍摄纪录片的计划，发布了短片《香河》。这部片子取消了传统对白，把镜头对准了一位平凡的乡村母亲，穿插进了一些超现实场景。杨福东把影像分割成片段，铺设在不同展厅。

多间侧厅循环放映杨福东不同时期的代表影片，使参观呈现出一种可延展的观看节奏——如《陌生天堂》和长卷式的《竹林七贤》（段落）都可以在这次杨福东的回顾展中找到。你可以选一个房间静静守候，也可以在几个房间之间来回穿行，像翻阅一本被切分的日记，试着把他的影像谱系连成线索。

影像装置《哺乳期》（2025）也可以让人长久驻足观看。杨福东收集了上世纪80至90年代香河地区常见的旧家具与旧电视机，并循环播放2000年前后他从上海回到香河老家所拍的未经布置的生活记录——琐碎的日常画面。在现场，这组影像显得像是《香河》的某种前传，也更像是一种“梦核”式的邀请：回到成长的年代，看见角落里的光影，听见院子里孩童追逐的喊声，踏入那段即将被遗忘的日子。

杨福东：香河

展期：2025年11月22日—2026年5月5日

地点：UCCA北京（北京市朝阳区酒仙桥路4号·798艺术区）

票价：成人票100元；优惠票60元

——02——

如何理解“艺术”？这是个问题

#激浪派#反学院派#达达主义#超现实主义

在上海这两年的大展里，西岸美术馆2025年10月开幕的“激浪派”无疑是个异类。当你看到国际象棋、被漆蓝的油画布、装满纸币的画框，冒出来的第一反应就会是：这是什么？——它们似乎超出了你我理解中的“展品”。

这些东西被制造出来的目的就是挑战常人眼中的“艺术”。“激浪派”（Fluxus）——听上去像个流派，但其实是个1960年代逐渐成形的松散创作组织。

关于激浪派的来历，学界有诸多研究。立陶宛裔美国人乔治·麦素纳斯（George Maciunas）最早提出“激浪派”这个名字，他撰写了《激浪派宣言》，为这个组织建立了行动准则。麦素纳斯更广为人知的身份是平面设计师和艺术史研究者，几乎承担了所有激浪派艺术家的视觉设计工作。他还复制了多件激浪派艺术作品。麦素纳斯为后世提供了充足的研究材料。

尽管人们现在会把激浪派作品放在美术馆里，但创作者并非科班出身的艺术家，涵盖作曲家、建筑师、设计师、诗人，创作内容也横跨多种媒介和学科。此外，激浪派崇尚偶然性和幽默，关注现场观众的反应。

小野洋子被视作激浪派一员。1964年，她首次表演了行为艺术代表作《切块》（Cut Piece）。她独自坐在舞台上，允许观众轮流走近她，用剪刀剪掉她衣服上的一块布料，并将布料赠予对方。

就结论来说，激浪派打破了“艺术必须由专业艺术家生产、由博物馆来评判”的固有观念。至少到了21世纪，当我们看到用人类学方法做研究的艺术家，不会感到惊讶。而激浪派的精神——敢于挑战未知媒介、接纳新技术、试图创造新事物，也让人印象足够深刻。

偶然！激浪派

西岸美术馆与蓬皮杜中心五年展陈合作项目

展期：2025年9月26日—2026年2月22日

地点：上海西岸美术馆（上海市徐汇区龙腾大道2600号）

票价：正价票120元；学生票60元

——03——

漫画也是一种艺术

#漫画艺术#瑞士

用漫画讲述一段历史，探求个人内心，又或是创造些——怪玩意？

在瑞士，独立出版物、杂志、艺术节等共同推动了漫画发展，艺术家们不仅画漫画、插画，也会结合动画、雕塑与声音等媒介进行创作。由此，漫画从单纯的叙事载体扩展为一种当代艺术形式。

琉森国际漫画节（Fumetto Comic Festival Luzern)始于瑞士卢塞恩市，从1992年开办以来，就与一般的商业动漫展不同——主办方认为漫画是艺术，不仅关乎消费。现在，它已经成长为欧洲具有代表性的漫画节。

《格间漫游——瑞士当代漫画艺术展》的主办方就有琉森国际漫画节。展览汇集了来自瑞士德语区22位艺术家的近500件作品，系统性地呈现了当代瑞士漫画与插画艺术的创作生态与文化脉络。

展览围绕多个议题展开，包括“勇气”、“身份”、“历史与记忆“、“梦与超越之境”、“科幻”、“社会”等主题单元。令人惊喜的是，每个单元的展示空间都有对应主题的展陈设计。比如，在展示一个有关肉铺的漫画时，展览真的搭建了一个“肉铺空间”——有档口、肉价牌，甚至还有灯光模拟的“苍蝇”在飞舞。

漫画从未失去其批判精神。“历史与记忆”板块的展示作品《白色马甲》（Weisse Westen），就在号召人们不要忘记自己的国家曾与殖民剥削紧密关联——虽然瑞士在历史上从未拥有过海外殖民地，但瑞士作为金融和贸易中心，实质上也深度嵌入全球殖民体系。

格间漫游——瑞士当代漫画艺术展

展期：2025年12月20日—2026年4月6日

地点：上海民生现代美术馆（上海市黄浦区威海路48号5F-6F）

票价：全价票60元；学生票40元

——04——

在中东，

一个国家开启了它的记忆工程

#阿联酋#中东半岛#伊斯兰文化#博物馆建筑

提起阿联酋，很多人第一反应会是石油、豪车和短暂的建国史。刚刚开放的扎耶德国家博物馆（Zayed National Museum）打算纠正这种偏见。这座博物馆由普利兹克奖得主诺曼·福斯特（Foster+Partners）设计，坐落在一座土丘之中，呼应阿联酋国徽上的猎鹰，以“猎鹰翼”造型示人。

虽说这座国家级博物馆建立的首要任务是纪念阿联酋已故国父谢赫·扎耶德·本·苏尔坦·阿勒纳赫扬（Sheikh Zayed bin Sultan Al Nahyan），但博物馆并没有把目光局限在建国后的短短几十年。

内部展览分为6个展区，早期展区呈现阿联酋人类文明遗址，挖掘半岛内陆与海岸交流的物证，阐述贸易与文化的交流，继而带人们进入铁器时代、伊斯兰文化的历史；中后段先是用复原的场景与口述影像，描绘当地自古以来的渔业、畜牧与集市场景，此后才把视线拉到近现代，讲述谢赫·扎耶德联合七个酋长国建国的历史，用深入浅出的方式让观众理解这个国家的价值观。

Tips：

——05——

皆川明：用一场展览表现设计全过程

看完这场展览，最深的感受可能是——这世界上的人大概可以分成两种：不知道minäperhonen，或者是喜欢上它。

minäperhonen是日本设计师皆川明于1995年创立的设计品牌，销售各种生活杂货与服饰。品牌名中的“minä”意为“我”，“perhonen”意为“蝴蝶”。设计师在旅途中来到芬兰，对当地的生活方式与文化产生共鸣，因此以芬兰语为品牌命名。

在这场展览中，以“つぐ（承续）”一词为核心，展现了minäperhonen的“制作过程”。从一张张布开始，你会看到图案设计从哪里得到灵感，如何反复试错，设计的布面母版常常本身就是一张让人印象深刻的海报。

在一楼展场，既有从“纸片”等灵感开始的设计，也有通过刺绣与可溶布料等复杂材料和工艺完成的精细作品。它给我最大的启发，应该是让人了解设计如何“从零到一”，以及完成“从一到多”的阶段性跨越。对研究创意与喜好设计的人来说，具有极大的参考价值。

在生产制造展厅，展览展现了图案如丝网印刷层层叠印般手工印制的过程。你会发现制作中的各种巧思：如何固定位置，让印刷版型嵌套得更加精确；如何设置颜色的先后顺序，让最终表现更击中人心——这也恰好还原了设计师与制造过程中的职人们的沟通过程。

展览也留下了与设计制造过程有各种交集、不同身份职业的人对这一过程的思考。你会看到那些繁复的、不可思议的图案如何最终呈现。一些显然不可能大量生产的产品为何得以实现，工厂如何在一步步的讨论中解决问题，而非回避问题。而在常年间形成的这种信赖关系，又最终如何决定了品牌完成它希望呈现的调性与价值观。

最后一个展厅则展示了minäperhonen的服装在“顾客—品牌—顾客”之间的“传递与再生”。品牌印记与顾客的个人故事，在衣物重制的过程中都得到延续。

所以这场展览真的不简单：看起来是一个设计展，本质上是设计与商业如何可持续地生产与实现。

つぐ（承续）minäperhonen

展期：2025年11月22日—2026年2月1日

地点：世田谷美术馆（东京都世田谷区砧公园1−2）

票价：全价票1700日元／65岁以上1400日元／大学高中学生800日元／中小学生500日元／学龄前儿童免费

——06——

曼谷又多了一个艺术好去处？

#曼谷#当代艺术#城市更新

曼谷从来不缺新鲜事，但2025年年末开幕的DIB Bangkok可能会刷新你对这座城市的认知。DIB Bangkok被定位为“泰国首个主要的、专注于国际当代艺术的博物馆”，这意味着，曼谷正试图在国际当代艺术地图上占据一个正式坐标。

DIB Bangkok的主体建筑是占地7000平方米、横跨三层的旧厂房，由泰国建筑师库拉帕特·扬特拉萨斯特（Kulapat Yantrasast）和建筑事务所WHY Architecture重新设计。他们没有把它改成常见的“白盒子”美术馆，反而保留了工业遗迹的骨架感，和大体量、有空间感的当代艺术作品相契合。

DIB的开馆群展“(In)visible Presence”出现了“大咖”的名字，比如德国新表现主义代表艺术家安塞尔姆·基弗（Anselm Kiefer）、法裔美国雕塑家路易丝·布儒瓦（Louise Bourgeois）等。整个展览囊括40位艺术家、81件作品。

一层从“材料”出发，致敬贫穷艺术传统（Arte Povera）——意大利艺术家们在1960至1970年间发起了这个流派，倡导使用日常材料；二层则转向“记忆”，活用仓库原有的空间和光影布展。三层的关键词则是“光/疗愈”，放置了泰国本地艺术家蒙天·布恩玛（Montien Boonma）强调气味的装置。

值得一看的还有詹姆斯·特瑞尔（James Turrell）。在当代艺术界，他是一个用光“作画”的大师。在DIB设计的空间里，他带来了永久装置《Straight Up》：下层为暗箱（Camera Obscura），上层是开口向天的“天光空间”（Skyspace），在日出、日落时分，这里会启动灯光程序，为观众提供近乎冥想的特殊体验，倒是非常契合曼谷这座城市。