“参与式”乐园，会是未来吗？

本文来自微信公众号： 感性城市SCity ，作者：Yaqing

主题公园行业始终面临一个与生俱来的挑战：建一个乐园要花很多钱。硬件上的投入巨大。一旦建好，很多年都不会大变。

但来玩的游客，尤其是年轻人，却总是追求新鲜、追逐热点。他们希望每次来，都有不一样的东西。

主题乐园在设施和建筑这些硬件上的投入往往都很“重”

那么，一个“不变”的乐园，如何应对“万变”的市场呢？

大家熟悉的迪士尼提供过一种答案：用电影工业不断创造新故事、新IP，然后把它们变成园区里的新项目，这些都需要巨大的投入和长期积累。

更重要的是，这种模式门槛极高，且是否成功，仍与时代机遇、文化接受度等诸多变量相关。

再将目光转回本土市场。作为陪伴了一代人长大的国民乐园——欢乐谷似乎给出了另一种解题思路。

不靠全球超级IP背书、也不依赖大型硬件频繁迭代的情况下，这几年却能在社交媒体上保持着惊人的热度，不断收割着年轻人的注意力。

热闹的表象之下，除了肉眼可见的密集活动与运营投入，这套体系究竟靠什么在运转？

或者说，这套模式究竟是如何跑通的？它背后又有着一套怎样的生产机制，才能源源不断地制造出如此高频的新鲜内容？

“参与式”的内容产出：

从“共创”到“社群奔赴”

我们可以先转换一下视角——不把欢乐谷当成是各种游乐设施的集合，而更像一个会不断更换主题的线下“展览”空间。

音乐节、各种IP联动、国风活动与cosplay盛会，都是其中不断更新的主题内容。

理解了这个设定，我们再引入“参与式策展”的概念，或许会更容易理解，为什么欢乐谷能够持续产出不同类型、不同形态的活动？

因为参与式策展的重点从来不是策展人单向地去“讲述什么”，而是：观众如何参与其中、如何回应、又如何反过来影响内容本身。

它试图打破的是“创作者—观众”的清晰边界，让内容在互动中被不断修正、扩展，甚至被重新定义。

这种模式下，内容的完成度并不只取决于园方的策划方案，更需要来自游客在现场的反应与反馈。

NPC的即兴互动、鼓励变装的氛围设计、带有剧情线索的任务机制，都为游客留出了足够大的参与空间。

而游客的装扮、临场反应、与角色之间自然生成的趣味瞬间，往往成为活动中最有生命力、也最具传播性的部分。

甚至连社交平台上的讨论、调侃与“玩梗”，都会被快速吸纳进后续表演与活动设计中。

更进一步说，为什么欢乐谷频繁去联动和平精英、以闪亮之名、十日终焉等等风格差异很大的IP？

不仅仅是借势引流，也是为了构建一种稳定的“社群场景”。

这些联动就像是一种“召集信号”，把兴趣相近的人聚集到这里。

简单来说，年轻人来到这里，不只为了打卡某个IP或观看一场演出，更是为了奔赴“与同好相聚”的氛围。

就像我们去参与一场演唱会，最重要的记忆其实不只来自舞台上的歌手，而是与陌生人一起合唱、一起尖叫、一起沉浸其中的集体体验。

欢乐谷正是通过一次次活动，让乐园超越单纯的游乐目的地，成为年轻人线下社交、释放热爱、创造共同记忆的生活现场。

灵活的运营节奏：

在地创新，快速迭代

欢乐谷的内容生产，从来不只是依赖前期策划——更关键的，在于它对游客反馈的快速回应和现场融合。

顺着这个思路进一步观察，我们发现欢乐谷之所以能快速响应游客反馈，离不开一套高度灵活的“集团－城市”协作机制。

从他们全年的活动安排就可以看出来，集团主要负责搭建“主框架”——比如设定“国潮文化节”“惊奇潮玩节”这类主题节点，统一宣传，保持全国节奏统一。

而真正“怎么落地”，各地团队应该都有极大的自主决策权。

因为即便面对同一个IP主题——比如最近的“和平精英”联动——不同城市给出的玩法也可能完全不同。

像北京欢乐谷推出了实景搭建，上海玩起了冰雪主题战场，成都融入了擅长的特色演艺，南京则是玩起了真人枕头大战……这些差异，正来自各地团队结合自身条件和对本地年轻人兴趣的捕捉与转化。

观察下来，这种模式，不仅让各地能更快响应本地热点、融入城市气质，也能让新玩法可以先在小范围验证，效果好的再向全国铺开。

与此同时，不同城市的欢乐谷也渐渐生长出自己的性格，持续为整个品牌注入鲜活的地域气息。

长期来看，对欢乐谷更重要的不是一套运作流程，而是各地组织对年轻人心态的持续感知与响应能力。

放眼国内主题乐园，能在如此体量下仍系统化实现“全国一盘棋、各地有玩法”的案例，确实不多见。

开放的世界观：

不被叙事定义的自由

有了参与式的机制和灵活的组织运作。欢乐谷的乐园本身，更是一个能兼容各种玩法、又不出戏的弹性空间。

在今天谈及“沉浸式体验”时，人们往往关注故事和场景上的深度代入。

但如果我们盘一盘欢乐谷早期的规划思路，会发现它原生的特点，也为后来的创新提供了一种恰好的“留白”。

时间拨回到千禧年前后，那个时候国内游客需要的是感官刺激：速度、离心力、失重感。

因此，乐园重点就在于“堆料”、“秀肌肉”，比拼的重点是谁有更大的过山车、更高的跳楼机。

而在那个时期建设的欢乐谷，本质上是一个以硬件为主导的“物理游乐场”。

不同的主题区——如玛雅、香格里拉、亚特兰蒂斯等等——更像是附着在设施上的异域风情“背景板”。

各区域之间风格混搭，叙事关联也较弱。如果以今天的审美趋势来看，多少显得有些“粗放”。

但我们再往下说一层：强IP和深度故事也会带来一定的排他性。

欢乐谷正是因为没有叙事上的“束缚”，反而打开了更多可能。

当年轻人的兴趣或外部热点发生变化时，这里不需要推翻原设定，只需在现有框架上不断接入新的内容就可以了。

不管是流行赛博朋克、国风，还是二次元，只需通过灯光、投影、临时布景和主题装饰，就能在现有区域快速“换肤”，承接上新的趋势。

这也使得欢乐谷能够在全国范围内，形成一个动态的内容生态——每一个流行趋势都能在这里落地生长，每一次尝试都能迅速带来新的体验，继而为后续的活动提供了充足的发挥空间。

写在最后

看完这些，我们可以尝试把未来的乐园想象并总结成两个流派：

一种是“造梦者”，以迪士尼、环球影城为代表。它们追求极致的工业水准，用最好的技术和故事，为你打造一个能逃离现实的完美梦境。这始终有巨大的价值，因为人类永远需要童话。

另一种则可以称之“组局者”，像欢乐谷这样的。它们提供的本质上是一个高连接度的社交界面。

在“组局者”的逻辑里，硬件只是基础的设施，而内容的本质会像互联网上的信息流一样，需要实时更新。它不追求永恒的经典，更看重此时此刻的共鸣。

在今天，人与人之间的真实连接正在变得越来越珍贵。

“组局”的价值或许被长期低估了。

年轻人不仅需要“做梦”，也需要一个能够自由表达、找到同类、展示真实自我的线下场域。

只要他们对社交、对共鸣、对即时的快乐依然渴望，那这个“局”就能一直组下去。

最后，让我们重新审视一下“乐园”这个词的定义——其实只要有热闹、有共鸣，让人能尽情欢聚的地方，就是乐园。